• Nena (Retrat de Conchita), Ángeles Santos Torroella, Valladolid, cap a 1929

    Ángeles Santos

    Ángeles Santos Torroella (1911-2013) fue una artista catalana olvidada y redescubierta muchas veces. Conectada a la Generación del 27, hizo amistad con Juan Ramón Jiménez, Gómez de la Serra, Federico García Lorca, etc. Fue una artista precoz, que con 18 años pintaba una de sus obras maestras, Un Mundo, actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su producción sin embargo, está claramente dividida en dos etapas muy diferentes.

    En primer lugar, la Ángeles Santos joven adoptó el surrealismo y el expresionismo, su período más valorado, y al que pertenece la obra que les mostramos; un estilo vanguardista, oscuro, místico y crítico, que le llevó a un éxito inmediato en varias ciudades españolas.

    A partir de 1936, cuando empieza a exponer en Barcelona, ​​sufre una crisis artística y su estilo cambia radicalmente para adoptar un lenguaje mucho más placentero, dulce y tradicional. Este cambio quizás se debe al poco éxito que tuvieron sus obras en la ciudad condal, donde entonces predominaba el novecentismo y donde su estilo fue considerado tétrico. En todo caso, con estas obras más complacientes pudo seguir pintando y vendiendo en la España de la posguerra.

    Los vaivenes de la historia harán que, tras la dictadura franquista, cuando renace el interés por las vanguardias, Ángeles Santos se popularice gracias precisamente a sus obras primigenias, que la han situado en uno de los lugares más destacados del arte español del siglo xx.

    * Obra expuesta en la sala 73, ámbito III.26 de Arte Moderno.

     

     

     

     

    Niña (Retrato de Conchita), Ángeles Santos Torroella, Valladolid, hacia 1929

     

  • Gouvernement Général de l'Indo-Chine. Exposition Hanoï, Clementine Hélène Dufau, 1902

    Clementine-Hélène Dufau

    Como muchos artistas, Dufau (1869 - 1937) fue una niña de salud frágil que tenía que pasar largos periodos en cama y que pronto demostró aptitudes para el dibujo. Se trasladó con su familia a París porque quería cursar estudios artísticos. Tuvo de profesores a artistas ilustres como William Bouguereau y, en 1895 expuso en el Salon des artistes donde ganó un premio. A partir de entonces comienza a recibir encargos publicitarios como este de la Exposición de Hanoi (1902).

    Sus obras obtienen muy buena crítica y es recibida en los círculos intelectuales parisinos de finales de siglo. Incluso recibe el encargo del Estado francés para decorar la nueva Universidad de la Sorbona. Sin embargo, en las últimas décadas de su vida su figura cae en el olvido. En los años noventa, su obra es redescubierta.

     

     

     

     

     

     

     

     

    Gouvernement Général de l'Indo-Chine. Exposition Hanoï, Clementine Hélène Dufau, 1902

  •  Carmen Amaya y los Tarantos, Colita, 1963

    Colita

    Isabel Steva Hernández, más conocida como Colita, es una barcelonesa nacida en el corazón de la ciudad en 1940. Es una de las principales fotógrafas de lo que el periodista Joan de Sagarra bautizó como la Gauche Divine, todo un grupo de personalidades de la capital catalana -arquitectos, novelistas, filósofos, poetas, fotógrafos, editores, gente del cine, modelos, diseñadores o interioristas- que en el tardofranquismo hacían alarde de una irreverencia ante las costumbres y las formas de vida las tradicionales y que se convertirían en referentes culturales.

    Su especialidad es el retrato en blanco y negro. Entiende la fotografía como un documento, un depósito de la memoria. En 1971 expuso sus retratos de la Gauche Divine en la Galeria Aixelà. Fue la exposición más corta de su vida, clausurada al día siguiente por la policía. Militante feminista, dice que la fotografía ha sido siempre lo que le ha hecho vivir.

     

     

     

     

     

     

     

    Carmen Amaya y los Tarantos, Colita, 1963

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online: Antonio Gades, ensayo en la Academia de Juan de Dios y V. Escudero y A. Gades a Barcelona

  • El vel negre, Edyth Starkie, cap a 1911

    Edyth Starkie

    Edyth Starkie (1867 – 1941) es una pintora irlandesa que produjo una obra pictórica de calidad y relevancia internacionales, a pesar de que se la recuerda sobre todo por ser la mujer de Arthur Rackham, pintor y uno de los ilustradores más importantes de Inglaterra. La fama de su marido fue precisamente –junto con su débil salud- una de las principales dificultades en su carrera como artista, ya que en el Reino Unido se la conocía como a “la mujer de”.

    Expuso en numerosas ocasiones en la Royal Academy of London. X. Llamó varias veces la atención de la crítica, sobre todo extranjera, y ganó premios y reconocimientos en certámenes españoles y franceses. Precisamente, el cuadro El velo negro que se expone en el Museu Nacional, ganó la Medalla de Oro de la 6ª Exposición Internacional de Barcelona y fue adquirido por el Ayuntamiento.

    De adolescente, Edyth Starkie fue a Londres y posteriormente a París para formarse en educación artística, ya que en Irlanda era prácticamente imposible para una mujer poder acceder a estudios de Bellas Artes. En muchas escuelas no eran admitidas, e incluso en la Académie Julian, la escuela parisina donde ingresó Edyth, había una filial exclusiva para mujeres.

    * Obra expuesta en el ámbito I.7. de las salas de Arte Moderno.

     

     

     

     

    El velo negro, Edyth Starkie Rackham, hacia 1911

     

  • Folly or Saintliness, Ethel Reed, 1895

    Ethel Reed

    Los periódicos la llamaban "la preciosa dama de los pósters". Ethel Reed (1874 - 1912), de la que el museo conserva una pequeña colección de carteles, tuvo una breve pero extraordinaria carrera como artista gráfica en Boston y en Londres durante la década de 1890. Con 21 años, consiguió reconocimiento internacional y también se convirtió en un personaje mediático. Provenía de una familia pobre y fue básicamente autodidacta -de pequeña ya percibieron su talento por el dibujo-. Sufría de depresión, insomnio y tendencias suicidas. Tras el cambio de siglo desapareció totalmente de la vida pública y profesional. Se fue a vivir a Irlanda con su madre y después de dos relaciones fallidas, murió de sobredosis. Hoy en día, los carteles de Reed se pueden encontrar en el Metropolitan, el MoMA o el Victoria and Albert Museum, entre otros.

    Este cartel fue seleccionado como imagen de la campaña de la nueva presentación de Arte Moderno de 2014.

    * Obra expuesta en la sala 67, ámbito II.20 de Arte Moderno.

     

     

     

     

     

     

    Folly or Saintliness, Ethel Reed, 1895

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online:Fairy Tales; The White Wampum; The House of the Trees and other Poems; Behind the Arras y Miss Träumerei

  • Retrat de Carlota Vidal, Lluïsa Vidal, cap a 1906

    Lluïsa Vidal

    Lluïsa Vidal (1876 – 1918) fue una figura destacada del modernismo y su obra fue muy reconocida en vida. En una época en que a menudo las mujeres se dedicaban casi exclusivamente a pintar flores, ella pintó todo lo que le rodeaba, como hacían sus coetáneos varones. Se dedicó exclusivamente a la pintura costumbrista y al retrato, donde la mujer era total protagonista.

    Las críticas que recibió a lo largo de su vida le recriminaban que pintaba con demasiada fuerza, con demasiada creatividad, con un impulso demasiado varonil. Pero Lluïsa Vidal no pinta a la mujer como objeto de la mirada masculina, sino que, a lo largo de toda su obra, se dedica a retratar el interior del universo femenino con sencillez y autenticidad.

    Probablemente era la primera mujer en Barcelona y de las pocas de Europa que podía vivir de su arte, entre sus pinturas y las clases que impartía en su propia academia. Participó del movimiento feminista, colaborando con la revista Feminal y con el Institut Català de la Dona. Después de su muerte cayó en el olvido y, aprovechando la calidad de sus pinturas, varias veces se ha cambiado la firma de sus obras por la de artistas más cotizados en el mercado. En las últimas décadas, se han hecho estudios extensivos de su vida y obra para volver a recuperar y hacer justicia a esta personalidad del modernismo catalán.

     

     

    Retrato de Carlota Vidal, Lluïsa Vidal, hacia 1906

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online: Autorretrato; Las amas de casa y Retrato de Marta Vidal Puig

     

    Descubre, también, “Lluïsa Vidal, una mujer artista en un mundo de hombres” en el Blog del Museu.

     

     

  • Retrat de nena, Élisabeth-Louise Vigée Le Brun, 1788-1790

    Madame Lebrun

    Conocida sobre todo por haber sido la pintora oficial de la reina María Antonieta, Louise Élisabeth Vigée Le Brun (1755 – 1842) es considerada una de las mejores retratistas del siglo XVIII.

    A causa de la Revolución Francesa, Madame Lebrun abandona el país con su hija. A partir de entonces retratará la élite europea en Italia, Austria y Rusia, hasta que en 1805, durante el mandato de Napoleón, vuelve a Francia.

    Su obra, mayoritariamente retratos, de estilo rococó con adopciones neoclásicas, se expone en el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Louvre, entre otros museos.

    * Obra expuesta en la sala 35 del Legado Cambó.
     

     

     

     

     

     

     

     

    Retrato de niña, Élisabeth-Louise Vigée Le Brun, 1788-1790

  • Vas decorat amb dues figures femenines, Maria Rusiñol, 1901-1907

    Maria Rusiñol Denís

    Hija de los pintores Santiago Rusiñol y Lluïsa Denís, Maria Rusiñol (1887 - 1972) llevaba el arte en la sangre, aunque vivió su infancia alejada de su padre, que viajaba constantemente. Desde el inicio de su producción artística, se inclina por la acuarela y el dibujo. Será una constante en su obra la representación de figuras femeninas con vestidos anticuados para expresar su crítica a las banalidades y apariencias del estatus social. Se ve la influencia de un cierto decadentismo caricaturesco, fruto de la coincidencia con Ismael Smith en el taller de Antoni Serra, con quien colaboró en la decoración de cerámicas como la que os mostramos.

    * Obra expuesta en la sala 59 bis, ámbito II/17 de Arte Moderno.

     

     

     

     

     

     

     

     

    Vaso decorado con dos figuras femeninas, Maria Rusiñol, 1901-1907

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online: Vaso decorado con figura femenina

     

  • Retrat del marxant Josep Dalmau i Rafel, Mela Mutermilch, 1911

    Mela Muter

    A Mela Muter (1876 - 1967), una artista polaca judía de las más reconocidas en el París de los años veinte y treinta, se le había dicho que pintaba "como un hombre". Su arte, a menudo lejos de las delicadezas que se suponía que tenían que pintar las mujeres, era de un realismo luminoso y vibrante, que fue absorbiendo las tendencias postimpresionistas europeas.

    Estuvo en Cataluña varias veces y aquí tampoco pasó desapercibida: congenió con personajes de la cultura catalana, entre ellos el marchante de arte y galerista Josep Dalmau, con quien estableció amistad y por ello le pintó varios retratos.

    Durante la II Guerra Mundial vivió en Aviñón, pero problemas de vista frenaron su producción. La guerra y el divorcio la dejaron en una situación precaria, sola, marcada por el estigma de ser judía y por haber participado en la causa socialista, y sin conexión con su patria originaria. Al morir a los 91 años, dejó la obra que poseía a una ONG.
     

    * Obra expuesta en la sala 72, ámbito III.25 de Arte Moderno.

     

     

     

     

     

     

    Retrato del marchante Josep Dalmau i Rafel, Mela Muter, 1911

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online: Santa Familia

     

  • Kunst=Ausstellung des Vereins der Künstleriñen

    Mujeres artistas

    Les presentamos algunas de las mujeres artistas de las que el museo conserva obra. Son diez mujeres de diferentes épocas, diferentes estilos y diferentes procedencias. Todas ellas, sin embargo, con un claro denominador común: por encima de ser esposas, madres, hijas,... todas ellas eran artistas.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    * Cartel de Anna von Whale Kunst=Ausstellung des Vereins der Künstleriñen, para una exposición de la Sociedad de Artistas, una asociación de Berlín fundada por cuatro mujeres en 1867, para promocionar las oportunidades y el derecho a la educación de las mujeres artistas.

  • Els noucasats, Olga Sacharoff, cap a 1929

    Olga Sacharoff

    Olga Sacharoff (1889 – 1967) y su esposo, el fotógrafo Otho Lloyd, son un ejemplo de los artistas europeos que, huyendo del conflicto de la I Guerra Mundial, se establecieron en Barcelona como si esta fuese un París de segunda mano, en un tiempo en el que el ambiente de la capital francesa era insostenible. Hacia los años veinte pintó cuadros que reflexionaban sobre la institución del matrimonio. Sacharoff vivió separada de su marido porque al finalizar la guerra se marchó a París, priorizando su arte. En 1939, con la llegada de la II Guerra Mundial, ella y Lloyd volvieron a Barcelona donde vivirían hasta sus respectivas muertes. Sacharoff formó parte del novecentismo catalán, adoptando un estilo muy propio en el que la naturaleza y los animales tienen un importante protagonismo simbólico.

    * Obra expuesta en la sala 72, ámbito III.25 de Arte Moderno.

     

     

     

     

     

     

     

     

    Los recién casados, Olga Sacharoff, hacia 1929

     

    Otras obras de la artista en el catálogo online: Una boda